Musings de l'Art

Marina Ambromovic and Monet’s Water Lilies

Claude Monet, Water Lilies, MoMA, New York


Invitation to Appreciate and Join

At the Museum of Modern Art, many different kinds of art are displayed and the viewer interacts with each in a different way. In Marina Ambramovic’s piece, “The Artist is Present” consists of Marina Ambramovic and another performer sitting at a simple wooden table across from each other on wooden chairs. She wears a long, red gown and holds a fixed pose and gaze. Her partners, who may take a break whenever they are tired and be replaced by someone else, also hold a fixed gaze, though they appear to be secondary in this piece. Ambramovic specializes in performance art and has been using her own body as subject, object, and medium of her work since the 1970’s.  She specifically chooses to use her body as medium as a tool to visualize the here and now. There are many challenges presented when using your own body as a medium to create art. The artist can only do what is physically possible, whereas a sculptor working with metal or painter working with acrylic paint can create anything imaginable. The performers can only endure for so long and it is impossible to exactly replicate or transport this work.

These challenges are also the opportunities provided by the medium of the artist’s body. This piece is a real situation that is actually happening as we view it. The same feeling could not be created with any other medium. Ambramovic distorts the line between everyday routine and ceremony. The charged space that exists between Ambramovic and the other individual is the content of her work. It is a space where nothing or possibly everything happens.

This piece was set up as an invitation for the viewer to engage in and complete a unique situation. Being positioned in a vast atrium within a square of light, the table and chair set-up is elevated to another level. Visitors are encouraged to sit across from Ambramovic, becoming participants in the artwork rather than remaining spectators. On the wall behind the artist is a tally mark, showing the months of March, April, and May that Ambramovic has and will be performing.  I thought the presentation was unique and interesting and I enjoyed sitting across from the artist and participating in the work. It felt odd to be sitting around a giant square with all these other people staring at two people who were not moving, but I felt the presentation enhanced my viewing of the art. The only thing I would change as the curator would be to make the lighting less bright, so that the table setting seemed more normal, like it could happen everyday.

Since “The Artist is Present” is performance art, it is being produced today in New York and is different than most art being produced right now that is not performance-based. It is not a part or deviant from a specific movement since it is so current. This piece seems to attempt a spiritual merit by elevating the ordinary to another domain, though it is not specifically religious. It comments on social beliefs regarding notions of public and private by making a usually private setting public for all to see. The artist could be attempting to expose private feelings and publicize them for everyone to participate in. These ideas were not clear to me, but after reading the wall text I understood the concepts. I think the curator did a good job in clarifying the ideation behind the work while also leaving some room for the viewer to come up with his or her own opinion of the piece and become a part of it.

The presentation of Monet’s “Water Lilies” is very different than the Marina Ambramovic’s performance art. It is oil paint on three large canvases. Claude Monet used the oil paint to create the impressionist style paintings that captures the feeling of a moment in time opposed to accurately depicting a real scene. The oil paint and canvas provide the perfect medium for Monet’s style and subject, a Japanese style pond covered with water lilies.  The curator puts all of Monet’s water lily paintings in one room, enveloping the viewer in Monet’s vision of controlled natural beauty. There is a large, cushioned bench in the center of the room, where viewers can sit and look at any painting around the room. The three-panel painting that I am focusing on is “displayed at a slight angle in response to Monet’s wish that the paintings encompass the viewer”. The water’s surface fills the expansive composition so that the clues to the “artist’s – and the viewer’s — vantage point are eliminated”. I thought the curator did an excellent job of creating a peaceful environment that made me feel like I was, and really could be, in Monet’s garden in Giverny, France.

Claude Monet painted “Water Lilies” between 1915 and 1926. He was a founder of the French Impressionist movement in painting, which was primarily harshly scrutinized by most art critics. Monet used visible brush strokes, emphasized light, and painted ordinary subjects, including movement as a crucial element of human perception and experience. Monet painted the panels of this triptych near the end of his life while suffering from cataracts at his estate in Giverny, France. He captured a beautiful moment in his private gardens, now being enjoyed by the public. Mostly informing the viewer about Monet’s garden, the curator gives a satisfactory amount of information regarding the ideation of this piece, but Monet this work does not seem to be associated with any philosophical idea, political implications, or religious affiliations.

Monet painted this piece at his home in remote northern France as an Impressionistic depiction of the beauty he observed in his garden. He focused on these gardens as subjects as his paintings for twenty years, so they were clearly very important to him. The viewer can look at these paintings separately or grouped together like at the MOMA. Monet’s “Water Lilies” simply provides a “balm for the modern soul”, giving freethinkers a place to enjoy beauty.  Both Ambramovic and Monet provide the viewer with a piece of art and we are invited to enjoy it and become part of it.


Marbles, on the Upper East Side and in the Bronx

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Men and Lions

Men are often compared to lions because they are both strong and powerful. They are both kings and control others. I chose the lion statue at the Met because it looked mean and mighty, exhibiting all the traits of the “king of the jungle”. The statue of the man looked so human that it felt real to me. I think both of these statues expose the inner spirit of their real-life subjects.

While wandering among the Ancient Greek vases, statues, and other artifacts of the Metropolitan Museum of Art, I could not help but especially notice a large statue of a lion. This lion looked realistically ferocious and strong. The statue was about as big as an average adult, exuding of power. It looked as if it was ready to pounce with his front legs bent, ears pinned back, and mouth open. Its tail was missing, which I found interesting because usually you can tell if an animal is aggressive or not by what his tail is doing. One foot was placed more forward than the other and the head was slightly turned to the right, like he was growling at someone standing there. The statue was very detailed and I could see the individual hairs of the lion’s mane, the shape of his tongue, his nostrils, and his ribs very clearly. I could also see the individual bones and muscles in his legs. His eyes were open wide and I could see the eyeballs and eyelids, though there was neither an iris nor pupil visible. The lion statue had a strong presence that I could ignore.

In the Fordham Museum, I chose a statue of the head of a man because of its real human qualities. The expression on the face seemed like an expression that everyone makes everyday.  He looked very relaxed, peaceful, and passive. His curly hair and large, deeply set eyes still looked realistic, even though the sculpture was slightly deteriorated. His face expresses a “pathos” or emotion that was considered important to Greeks of the time. More than half of the nose was gone and there was a large crack running across his chin. This statue seemed real and I could feel the emotion behind it.

The lion statue is made of a white marble and though the placard did not say the mode of production, I think that it was made using the deductive method. The artist probably chiseled away at a large marble block using to create the shape of a lion in the same way that Greek artists usually “liberated their figures from their original stone block”. The lion does not appear to be in separate parts or fastened together in any way. The details on this statue reveal the amount of time and effort that was spent on creating this life-like lion so that the viewer cannot tell that this lion was once only a block of stone. I cannot see any remnants of paint and think that this statue was always white and time and the elements have caused it to look more off-white today. If this work were produced in another medium like wood, it would have looked as realistic because it is difficult to create round shapes out of wood. Also, the lion would not have remained so intact over time, since it was made over 2000 years ago.

The “Portrait of a Man” is also made of white marble and was probably created using the deductive method, in the same way that the lion was made. If the man’s head had been made out of wood, it would also not be as beautiful because the artist would not have been able to create details like his furrowed brow or curly locks. The man would also not have held up well with passing time and would probably have biodegraded into an unrecognizable form by now.

The lion statue was placed in a room at the Met called “Greek Art of the Fifth Century B.C.”.  Greek vases in vitrines and other statues from the same time period surround it, but the lion is the only animal statue in the room. The other statues are of people, heads, and gods. The lion is placed on a foot-high platform in the center of the room. Marble statues of lions were sometimes used as tomb monuments or as guardians on both ends of a tomb, in a mortuary site. The lion must have acted as a potrophaic function, warding off evil.

At the Met, I felt like I could have been in a mortuary site because I was surrounded by pieces from the same time period and place. I felt more of an emotional reaction to the art because I felt like I had been transported back in time. The lion was labeled and described and on the wall there was information about Athens in the Fifth Century B.C.

The man was placed somewhat at the center of the museum at Fordham, but more toward the side. It directly faces another head sculpture and is surrounded by vitrines that house Greek and Roman vases, small statues, pottery, and other small artifacts. In Ancient Greece or Rome, this statue probably was admired in the private collection of a king. In the room, there are over 270 Greek, Roman, Etruscan pieces of art, not at all like its probable original placement. Both the lion and the man are marble statues that do not really fit in with what is around them in the museum setting.

I thought the curator at the Met did an excellent job of contextualizing the art in that room and providing historical information. If I were the curator at Fordham, I would have divided the museum up by region and put some information on the wall about the time and place that the art is from to transport the viewer there. I still had an emotional reaction to this individual statue, but the jumbled setting worsened my experience. I enjoyed both museum visits and felt especially moved by the pieces I chose to write about. The two marble statues provoked opposite emotions in me, but both were strong, leaving me with a lasting impression of the true essences of a lion and of a man.

Les Demoiselles d’Avignon

Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, 1907, MoMA, New York

Le Première Etape Vers la Cubisme

Les Demoiselles d’Avignon était une des œuvres fondamentales au modernisme du vingtième siècle. C’est une grande peinture d’huile de Pablo Picasso. C’était très révolutionnaire dans le monde d’art et, même aujourd’hui, gagne beaucoup d’attention et louange. Pablo Ruiz Picasso est née en 1881 à Malaga, Espagne.  Il est plus connu pour être une des deux fondateurs du mouvement cubiste et la variété énorme de son travail. Les œuvres plus célèbres sont Guernica et, bien sur, Les Demoiselles d’Avignon. (Brenson)

Il était né d’une famille de classe moyenne. Son père a été un peintre, qui a spécialisée dans les présentations de la nature. Il a été aussi un conservateur pour de musée et un professeur. Son père était le première d’enseigner Picasso la peinture. Quand Picasso a eu juste sept ans, il apprenait le dessin de la figure et la peinture a l’huile. Avec son naturel talent Picasso a rapidement dépassé son père et au commencement de vingtième siècle, il a bougi a Paris en 1900 et la, il a commence avec ses périodes de peinture. (Brenson)

Il a commence avec le Période Bleu en 1901, ou il a peint les choses très tristes comme les aveugles et le pauvreté. Toutes les peintures de cette période inspirent le sentiment de bleu, au sens de dépression. Picasso à continue de travailler avec le Période Rose, ou il a introduit le sexualité et sensualité de ses peintures. Il a présenté les personnes du cirque et du théâtre avec les couleurs chaud et une air de joie qui était absent de la Période Bleu.  Il y avait plus d’espoir dans ses présentations de la vie bohémienne à Paris. (Debicki, Favre)

A ce moment la, Picasso et les autres artistes comme Gauguin et Matisse étalaient très intéresses au les découvertes des explorateurs de l’Afrique, le Micronésie, et l’Amérique. L’intérêt à l’art primitif a commencé avec le rencontre de les Européens et l’Afrique et les autres pays. Les artistes occidentales sont intéresses a les styles des arts comme les exagérations des traits, les masques, et le soulignement de la fécondité. Les arts primitifs ne racontent pas des histoires. Ils sont symboliques et religieuses. C’était un art qui n’était pas vraiment considéré un art. Les artistes comme Matisse, Derain, Braque, Vlamick et Picasso ont regardé l’Afrique d’une nouvelle forme d’art et ils ont incorporés les idées dans ses œuvres. Les couleurs intenses, images plates, émotions véritables, et formes stylisées étaient considérées très bizarre au temps.

Picasso a gagne beaucoup de suces avec les peintures il a fait de les femmes nues et les sculptures. Ces œuvres sont liés avec le primitivisme et Paul Gauguin. Ces peintures évoquassent une air de sauvage qui est vraiment visible dans Les Demoiselles d’Avignon. Une artiste peut expérimenter avec les notions de la beauté. Oviri, un statue de Gauguin, inspire dans Picasso un intérêt au sculpture et le céramique. Cet œuvre était pour la tombe de Gauguin et Oviri a une présence palpable qui est lié au chef d’œuvre de Picasso. Picasso a hésitée  d’admettre qu’il a été influencé par Gauguin, mais la connexion est bien là. (Debicki, Favre)

Picasso exhiberait ses œuvres aux galeries de Berthe Weill et Ambroise Vollard a Montparnasse. Aussi, il était très populaire avec les collecteurs d’art américains comme Gertrude Stein. Elle a acheté des œuvres de Picasso et Matisse pour exhibée dans sa salon. (Green)

Cézanne et Gauguin ont influence Picasso avec leurs exhibitions au Salon d’Automne en 1903, 1906, et 1907. Les deux ont été importantes sur la fondation du mouvement cubiste. Quelque fois, Les Demoiselles d’Avignon est considérée comme la première peinture cubiste, mais ce n’est pas vrai. C’était une étape vers le cubisme, une nouvelle utilisation d’un idiome picturale. Cézanne était très populaire dans les cercles des avant-gardes. Picasso et Braque étaient intéressés aux théories de Cézanne. Selon il, la nature est composée des formes simples comme les carres, triangles, sphères, et cercles. Cézanne a donne les artistes l’idée d’expérimenter avec les points de vues différentes et de la forme fracturée. (Green)

Aussi, cette peinture est liée avec The Opening of the Fifth Seal, d’El Greco. Picasso a étudié cet œuvre a l’atelier de son ami pendant il a peint Les Demoiselles. Les tailles, formats, et motifs sont très similaires. Le pouvoir du travail d’El Greco était très puissant et ca c’est le vrai sentiment que Les Demoiselles d’Avignon évoque. (Green)

Pablo Picasso a commence de travailler sur Les Demoiselles d’Avignon pendant l’été de 1907. C’était un tableau d’atelier donc ce n’était pas fait pour un command. Il a fait beaucoup de recherche et centaines d’esquisses pour préparer. La peinture est décrire comme un grand tableau, presque carre. La forme du tableau est intéressante parce qu’il n’y a pas de début et ni de fin. C’est plus d’une histoire mais juste la narration. Il n’y a pas de sens de lecture. La toile lui-même casse les règles de la peinture.

Dans la peinture, il y a cinq figures nues qui la plupart des gens pensent d’être femmes. Deux femmes portent des masques Africains et une porte une masque Ibérienne, dans le style espagnol. Picasso a nié la connexion de cette œuvre à l’art africain mais nous savons qu’il a visite le Musée d’Ethnographie à Trocadéro ou les arts africains étaient présentés. Beaucoup d’artistes étaient a liés avec Picasso quand ils ont nié des influences africaines mais ils sont évidents dans leurs œuvres.

Les corps de femmes sont angulaires et les formes sont disjointes. Elles ont l’air de sauvage et ne semblent pas classiquement féminins. Trois des cinq femmes regardent le regardeur du tableau dans une maniéré très frontal et conflictuel. C’était très différente parce qu’en 1907, le gout était pour les nus parfaits.

La gamme des couleurs de Les Demoiselles d’Avignon est limitée. Picasso a utilisé les couleurs ocre, le bleu, et le blanc dans cette gamme chromatique. Ces couleurs sont vraiment chaudes et froids et ils créent les contrastes intéressants. La peu des femmes sont en les couleurs aplat et différents. Il n’y a pas de sens sur les variations des couleurs de peu. Les couleurs deviennent arbitraires et libres. Elles ne sont pas les mêmes couleurs qu’on peut voir en vraie vie, mais Picasso à choisir les couleurs qu’il voudrait pour créer une peinture. Les couleurs dans Les Demoiselles d’Avignon n’ont pas un rapport avec quoi ils représentent.

Au premier plan au centre, il y a des fruits sur une table, le seul oint de fuite de cette peinture. Donc la table avec les fruits, une chose géométrique, donne la peinture une perspective mono focale. La table est la seule représentation de la perspective, mais c’est aussi bizarre parce que Picasso a peint ca comme il la regarde directement en face. Il y a grand marron chose à la cote gauche qui peut être un rideau ou un arbre. La femme gauche peut être en train d’ouvrir le rideau où elle est juste s’appuyant sur l’arbre. Le derrière plan en bleu peut être les miroirs ou le ciel.

L’espace de ce tableau est complètement indéfini. Le premier titre de ce tableau était Etude de Picasso donc il n’y a pas d’histoire. On ne sait pas qui les figures sont, quoi ils fassent, où ils sont.  C’est possible qu’elles sont les prostitues au bordel ou les femmes dans les bois. Picasso a redéfini l’idée de quoi est une peinture parce qu’il a libéré ca de l’idée que une peinture doit raconter une histoire ou avoir des choses qui ont du sens. Tout est encadrée à l’intérieur qui est une espace qui n’est pas réel et Picasso n’a pas essayé de créer une espace qui est une fenêtre de la réalité. Cette peinture est de la peinture, pas rien d’autre.

Dans Les Demoiselles d’Avignon, Picasso aussi remet une question de l’espace illusionniste de la perspective. C’est une réflexion sur notre système de perspective. Cette œuvre est très bizarre au sens de la perspective premièrement parce que il y a une seule pointe de fuite qui est un objet géométrique au centre du premier plan. Il n’y a pas une idée de la profondeur. Tout est remets sur la surface du tableau et il n’y a pas de volume. Les formes ne sont pas fait avec l’utilisation d’ombres. Il y a un sens des plans différents mais quand on regardes la peinture plus proche, il n’y a pas vraiment une sens de quoi est devant quoi. Ce n’est pas une expérience très cohérente.

Les femmes ont l’air de tomber ou flotter. Leurs jambes n’ont pas d’axes qui peuvent à tenir debout. Elles n’à aucune jambe quittent le corps debout. Ca serais impossible pour elle a rester debout. En particulière, la femme à cote de la femme plus gauche est très allongée. Elle s’appuyer sur quelque chose qui n’est pas vraiment la. Tous les femmes semblent comme les peintures séparées parce qu’elles sont dessinées des perspectives différentes. Il y a plusieurs points de vue dans le même tableau.

Dans mon opinion, la femme assis a la droit est la mieux bizarre. Elle est dessinée de deux perspectives différentes. Ses jambes sortent du corps en deux directions différentes que ne peut pas être possible. Son visage est face au regardeur mais le corps est tourné du regardeur. Aussi, son masque est très étrange avec un œil bleu et un blanc. Le nez ne semble pas une partie du masque parce que le masque est orange et le nez est marin. Elle face le regardeur mais le nez est en profil. C’est une sorte de triangle qui sort du visage.

Les autres femmes ont les nez bizarres aussi. Il est comme un quart de brie. Quand on regarde la peinture, on sait que les nez ne sont pas vraiment comme ca. Une autre fois, Picasso a utilisé deux points de vues de dessiner une seule figure. C’est comme la décollage ou on composée une image de plusieurs images.

La femme au gauche apparaît d’être très masculine. Quand Picasso a premièrement fait des esquisses, il y a deux hommes dans un bordel en Avignon, un marin et un étudiant médicale. Quelques parties des hommes restes la, mais Picasso a choisi de présenter des femmes dans une maniéré forte. Les masques deviennent une partie de son visage. Il n’y a pas une discrimination du corps et masque.

Il y a une guide de circulation dans le tableau. Le regardeur peut suivre le ligne de la jambe de la femme au gauche a la fruit, et après en haut des autres choses dans la peinture. C’est intéressant parce que Picasso a fait cette peinture d’être une expérience intellectuelle, ou on doit essayer de la comprendre. Les Demoiselles d’Avignon est plus d’une peinture classique parce que c’est plus d’une expérience. Ce n’est pas juste une belle peinture sur le mur.

Il y a une relation des peintures Renaissance dans la peinture de Picasso. C’était normal pour cinq femmes d’être des sujets d’un portrait de Renaissance. Aussi, les fruits en premier plans sont comme des natures mortes en les peintures de Renaissance. (Tse)

L’impact de Les Demoiselles d’Avignon n’était pas immédiat. Ce devient une étape importante dans le développement de cubisme. Pour le plupart, des réactions de cette peinture étaient de choquant. Quel que personnes pensaient que Picasso a bu de l’essence où qu’il était désespéré. Beaucoup de critiques pensaient que la peinture était incohérente, trop brutal, et une offense de la tradition de la peinture et l’humanité. Ce n’est pas considéré politiquement correcte, mais c’est une œuvre très importante de la fondation de la modernité.

Les Demoiselles d’Avignon est vraiment une peinture moderne parce que ce renouvelle le langage formel de l’art. Picasso a créé une expérience complètement différente des autres peintures précédant. L’idée de primitivismequi apparie dans la peinture est très moderne parce que la simplification des formes est une chose nouvelle dans la forme d’art. Cet œuvre est une présentation d’un monde qui change. Il n’y a pas vraiment un sujet ou un histoire. Ce n’est pas une illusion de la réalité mais une peinture fait par Picasso d’être une peinture. Il ne s’agit pas de quelque chose, une émotion, ou une personne. Tout dans la peinture est seulement dans la peinture.

Pour moi, l’expérience de regarder cette peinture est très bonne parce que l’énormité de la toile est tout que je peux voir. C’est une des mes favoris a MOMA New York parce que c’est bizarre mais belle dans une façon pasclassique. C’est pourquoi j’aime l’art moderne, c’inspire les pensées intéressantes et créés des espaces que je ne savait pas d’existé.


1. Green, Christopher. “Picasso’s Demoiselles d’Avignon.” CAmbridge University Press (2001): 1-16. Web. 8 Nov 2010. <

2. Brenson, Michael. “Picasso and Braque, Brothers in Cubism.” New York Times (1989): n. pag. Web. 8 Nov 2010.

3. Moffat, Charles. “The Most Famous Artist of the 20th Century.” Art History Archive n. pag. Web. 8 Nov 2010. <;.

4. Debicki, Jacek. Favre, Jean-Francois. Histoire de l’Art: Peinture-Sculpture-Architecture. Paris, France: Hachette Livres, 1995. 242-259. Print.

L’Age du Bronze en Chine




L’Age du Bronze en Chine a apporté beaucoup de nouvelles avancées dans l’art, le gouvernement, et la technologie. Pendant la période néolithique, directement avant l’Age du Bronze, les gens ont chassé et cueilli pour la nourriture et ils ont fait des outils et des armes de la pierre. L’Age du Bronze a commencé avec la première dynastie chinoise, le Shang. A cette période-là, les personnes ont appris  à cultiver et à produire la nourriture. Un système de classe sociale s’est développé et les personnes se sont sédentarisées. Les vaisselles étaient la forme dominante de l’art du bronze. Elles conjuguent une utilisation pratique au quotidien et un décoration  esthétique. La Chine est une des seules cultures qui a utilisée premièrement le bronze pour les vaisselles rituelles, et pas uniquement pour des outils et des armes. Il y avait des autres formes d’art qui étaient présents pendant l’Age du Bronze comme le jade et la soie, sans oublier l’art de l’écriture, mais les vaisselles en bronze détenaient une grande valeur culturelle qui vient du début de l’histoire de la Chine. C’est la raison pour analyser cette forme dominante d’art à l’Age du Bronze. Dans une premier temps, les fonctions et techniques, dans un second temps, l’iconographie et dans un troisième temps en mesure l’évolution pendant l’Age du Bronze.

Première Partie : Les Fonctions et Techniques

Les bronzes ont étés fait avec une métallurgie avancée pour ce temps, qui était une technique importante dans le monde et qui donne le nom a cet ère. Cette maitrise de la production et cette possession des bronzes a contribué beaucoup à la société en classe sociale : suivi ce spécialement entre les nobles et les paysans. Dans une certaine mesure,  le bronze est lié au pouvoir et à la stabilité d’une dynastie. La fabrication du bronze connaît plusieurs étapes et variations pour des types différents. Pour créer les bronzes, on utilise un alliage de cuivre et d’étain à des niveaux différents. On créé une fonte dans un moule réfractaire en argile. On utilise le modele céramique de la néolithique pour créer le moule. Après, on enleve le modele et met du bronze fondu dans la moule pour faire la vaisselle en bronze. (Ellisseeff)

Il y abeaucoup de types différents de vases en bronzes : les vases à cuire les aliments, les récipients de présentation, les vases pour conserver, chauffer ou servir les boissons alcoolisées, et les vases pour recueillir, présenter ou servir l’eau.  Les vaisselles en bronzes sont aussi utilisées dans les rituelles sacrificielles et funéraires. La grande variété des vaisselles correspond à la diversité des mets et des vins : chaque vaisselle est réservée à une fonction unique. Les archéologues ont trouvé la plupart des vaisselles dans les tombes funéraires. Donc, ces vases ont des fonctions pratiques et hautement en symboliques spirituelles. La vie après la mort était très importante pour le chinois de l’Age du Bronze. Les vaisselles montrent la richesse et la majesté qu’il faut conserver après la mort et qui transmettent aux ascendants. (Kontler)

Deuxième Parte : L’Iconographie

Les motifs sur les vaisselles montrent l’importance de rituel chinois. Des motifs géométriques sont représentés sur les vaisselles : il y a des formes géométriques pures et les représentations avec l’aide de formes.  Il y a un motif de carre spiralé qui s’appelle « leiwen ». Dans les dynasties Shang et Zhou, les artistes ont mis les formes des animaux sur les vaisselles. Il y a des éléphants, béliers, oiseaux et masques des animaux qui s’appellent « taotie ». Les lignes des animaux sont souvent mélangées dans les hybrides.  Le motif le plus populaire était le motif du dragon. (Kontler)

Le taotie est emblématique de la vaisselle rituelle en bonze. Il s’agit de deux ronds à la saillie qui marquent les yeux. Le visage se construit autour des yeux ; des pattes, griffes, cornes, et le reste du dragon sont aux cotes gauche et droit des yeux. En général, le taotie est composée de deux parties, une partie est un animal monopode en profil et l’autre partie est un animal en face. Les deux parties ensembles fassent l’animal en face. Le motif de la taotie vient du jade néolithique. La combinaison des animaux réels et imaginaires est intéressante et unique de la culture chinoise. (Kontler)

Troisième Partie : L’Evolution Pendant l’Age du Bronze

Pendant les deux dynasties de l’Age du Bronze, le Shang et le Zhou, il y a beaucoup de change du fonction et de l’iconographie des vaisselles en bronze. Les pièces deviennent plus en plus spécialisées pour les cérémonies. Pour le décor, le période Shang est caractérisée par les formes symétriques, la frontalité, et l’ornement incisé. Le décor plus fréquent da la période Shang est le masque animal. Pendant la période Zhou, le décor devient plus abstrait. Des paternes basées sur les formes serpentines et les décors seulement géométriques se développent et commencent de couvrir la surface entière des vaisselles. Les anses deviennent plus sculpturales, mettant des formes réalistes des animaux. (Columbia)

Le vin est très important pendant la dynastie de Shang, jouant un grand rôle dans les rituelles. Critique par le Zhou pour le boire excessive, le Zhou utilisent moins les vaisselles pour les vins. (Columbia)

Pendant le période Zhou, les vaisselles rituelles deviennent plus importantes pour exprimer le prestige personnel, plus que pour les cérémonies religieuses de la période Shang. Ce change est représenté par l’inscriptions sur les vaisselles qui apparent au fin de la période Shang. Ces inscriptions marquent le propriétaire de la vaisselle ou l’ancêtre, de qui la vaisselle est pour. Les inscriptions aussi deviennent plus et plus longues et détaillés. Les vaisselles sont plus pour les vivants et pas pour les morts: elles sont des symboles de statut et pouvoir. (Columbia)


Les vaisselles de l’Age du Bronze ont des fonctions, iconographies, et évolutions très intéressants et uniques. La technique de la fabrication des vaisselles est complique et ils ont des fonctions pratiques et esthétiques, le plus souvent pour les rituelles. L’iconographie des bronzes changent pendant la période et les décors sont liées à la culture. Apres l’Age du Bronze, l’Age du Fer commence en Chine, avec des nouvelles fonctions et associations.


1. Kontler, Christine. Arts et Sagesses de la Chine. Zodiaque, 23-29. Print.

2. Elisseeff, Danielle. Histoire de l’Art de la Chine des Song (960) a la fin de l’Empire (1912). Paris: Reunion des musees nationaux et lEcole de Louvre, 2010. Print.

3. Department of Asian Art. “Shang and Zhou Dynasties: The Bronze Age of China”. In Heilbrunn Timeline of Art History. New York: The Metropolitan Museum of Art, 2000–.

4. “The Great Bronze Age of China: An Exhibition from the People’s Republic of China at The Metropolitan Museum of Art, New York.” Asia for Educators. Columbia University, 2009. Web. 21 Apr 2011. <;.

5. “Part Two: Bronze Age of China.” Teaching: The Golden Age of Chinese Archaeology. The National Gallery of Art, 2011. Web. 21 Apr 2011. <;.